Jim's Gems, 1973: Bowie, The Who, Planxty y más en un año increíble

Lou Reed y Bowie encabezan la lista de mejores álbumes de 1973 de Jim Comet.

Era el año 1973. La resaca posterior a los años 60 estaba empezando a disminuir. Muchas de las esperanzas, sueños, aspiraciones y gran parte del optimismo de la década anterior habían desaparecido y la gente comenzaba a darse cuenta de que el mundo estaba en condiciones mucho peores de lo que pensaban. Musicalmente, todo giraba en torno al álbum y muchos artistas profundizaron un poco más, adaptándose a los tiempos y al mercado cambiantes. También estaban surgiendo nuevos artistas, todos ansiosos por cambiar el status quo y encabezar el cambio musical.

1. Lou Reed, Berlín

Nadie hace decadencia como Lou Reed y cuando colaboró ​​con el productor Bob Ezrin en la continuación de la aclamada por la crítica Transformer rompió el molde. Aunque grabada en Nueva York, Berlín cuenta la historia de Jim y Caroline y su lucha contra el abuso de drogas, el abuso doméstico, la prostitución y finalmente el suicidio en el deprimente entorno del Berlín de la posguerra. Reed, el poeta callejero por excelencia, aborda estos temas de una manera muy gráfica y práctica. 'The Kids' y 'The Bed' dificultan la escucha. Musicalmente es un poco como una sinfonía de Velvet Underground. Ezrin logró combinar los instrumentos tradicionales con las cuerdas con gran efecto.

El álbum, aunque no fue exactamente una bolsa de risas, fracasó por completo cuando se lanzó originalmente y Reed tardó años en recuperarse artísticamente. Sin embargo, ahora muchos, incluido yo mismo, lo consideran su mejor trabajo en solitario.

2. David Bowie, Aladdin Sane

Para la continuación del innovador Ziggy Stardust, Bowie estaba mucho más interesado en el viaje artístico que simplemente en escribir éxitos. Un rasgo que definiría gran parte de su carrera. Las canciones del nuevo álbum fueron escritas en su mayoría en el autobús de gira que viajó por Estados Unidos durante la noche en la primera gira de Ziggy por Estados Unidos. Usaron el autobús porque le aterrorizaba volar.

Es mucho más caótico. asunto más oscuro e intenso que Ziggy, lo que probablemente refleja cómo era su estilo de vida en ese momento. Las drogas comenzaban a aparecer poco a poco, como ocurrió con muchos otros grandes artistas de la época. La incorporación del pianista Mike Garson transformó por completo el sonido de los Spiders, agregando una sensación burlesca de jazz decadente que domina por completo el disco. Garson permanecería con Bowie de forma intermitente hasta el final.

3. Rolling Stones, sopa de cabeza de cabra

En 1968, los Stones lanzaron el primero de una serie de cinco álbumes clásicos que cimentarían su legado y definirían su carrera. Sin embargo, cuando se mudaron a Jamaica para grabar el quinto álbum de esa serie, no todo estaba bien en el campamento.

Prácticamente los habían expulsado de Francia tras la grabación de Exile On Main Street, Mick Jagger estaba cada vez más preocupado por su estilo de vida jet-set y las drogas empezaban a pasarle factura a Keith Richards. Las sesiones de grabación, junto con redadas de drogas, enfrentamientos con la policía local y la mafia, fueron caóticas.

Cómo se hizo realmente el álbum es en sí mismo un pequeño milagro. Musicalmente, es sucio, drogado, descuidado y suena por toda la tienda. En otras palabras, Stones clásicos. Mi propia opinión es que es su último hurra y posiblemente su mejor álbum.

4. El Quién, Cuadrofenia

Tras el éxito de Tommy, The Who lanzó su tercera ópera rock Quadrophenia en 1973. La historia sigue a Jimmy, un mod adolescente, cuyo personaje se basa libremente en nuestro propio Jack irlandés, mientras lucha por la aceptación en el mundo y trata de estar a la altura de ambos. expectativas que la sociedad y sus padres tienen de él. Durante un breve fin de semana en Brighton, todo sale bien, pero la vida y la realidad lo hacen bajar a la tierra e intenta, sin éxito, recuperar ese momento.

Sus constantes luchas con su propia salud mental hacen eco de lo que sienten muchos adolescentes de hoy. Musicalmente fue su proyecto más ambicioso hasta la fecha, siendo las canciones mucho más complejas que antes con especial énfasis en las rupturas. La adición de instrumentos de viento de madera de John Entwistle hace que el sonido sea aún más grande. A lo largo del disco, el mar actúa como una metáfora constante de una calma y un refugio que nunca se alcanzaría.

5. Hermanos Isley, 3+3

El undécimo álbum de uno de los grupos más subestimados de la historia del pop se grabó en el mismo estudio que Stevie Wonders Innervisions y aproximadamente al mismo tiempo, por lo que hubo un gran cruce entre los dos discos. El grupo original, que ahora se había expandido de tres a seis integrantes, llevó su composición a un nivel completamente diferente con los grandes éxitos 'That Lady' y 'Highways Of My Life'. Esta última es una de las canciones más hermosas que he escuchado en mi vida.

El álbum también incluye una versión de 'Listen To The Music' de los Doobie Brothers y el éxito de Seals And Crofts 'Summer Breeze', que se convertiría en un himno y siempre estaría asociado con ellos. Creo que este álbum ha sido una constante en mi caja de discos durante los últimos 10 años.

6. Tom espera, hora de cerrar

Cada álbum de Tom Waits suena como si debiera escucharse a las 4 de la mañana, sentado solo en el mostrador de un bar subterráneo oscuro y lúgubre con solo una botella de whisky como compañía. Por lo tanto, llamar a su debut Closing Time fue un golpe de genialidad y fue ese mismo genio el que lo distinguió de sus contemporáneos más extrovertidos en la escena de Los Ángeles a principios de los años 70. David Geffen rápidamente se dio cuenta de que podía escribir canciones como ningún otro y lo agregó a su grupo en constante crecimiento que incluía a CSNY y The Eagles. 'Ol' 55', 'Grapefruit Moon' y la impresionante canción principal instrumental (grabada en una sola toma) están incluidos en lo que debe ser uno de los mejores debuts de todos los tiempos.

7. Planxty, el álbum negro

Esto apareció en mi radar por primera vez cuando Leagues O'Toole emitió un especial de No Disco Planxty en 2003. No tenía conocimiento de ellos antes de esto. Ahora estaba enganchado. Christy Moore, Donal Lunny, Liam O Flynn y Andy Irvine, también conocidos como 'The Beatles Of Trad', se juntaron en 1972 durante la grabación del álbum de Moore, Prosperous, y decidieron usar sus talentos combinados para cumplir una visión que tenían de dónde vivirían. Podría tomar música tradicional.

De hecho, lograron llevar el género a una audiencia mucho más amplia y cambiar la percepción pública de lo que muchos pensaban que era una escena muy conservadora y segura. Este está lejos de ser su mejor álbum, pero es el primero y qué mejor lugar para empezar.

8. Stevie Wonder, Visiones interiores

De todos los grandes artistas de Motown, nadie hizo la difícil transición de los años 60 a los 70 como Stevie Wonder. Nunca estoy completamente convencido de que se le reconozca el mérito por eso. Alrededor de 1968 en adelante comenzó a tomar plena responsabilidad en la dirección que estaba tomando su música, y realmente comenzó a tomar vuelo cuando comenzó a trabajar con Malcolm Cecil y Robert Marqouleff en Music Of My Mind de 1972.

En este seguimiento continúan con ese viaje, pero el sonido se expande adquiriendo una sensación más jazzística y mundana combinada con una perspectiva más espiritual. Temas como 'Living For The City', 'Boogie On Reggae Woman' y 'Golden Lady' serían enormemente influyentes a la hora de dar forma a la dirección del soul moderno.

9. Bob Dylan, Pat Garret y Billy The Kid OST

El álbum olvidado de Dylan fue escrito principalmente en Durango, donde se filmó este clásico del oeste de Peckinpah. Es una historia profunda y lenta que utiliza la leyenda de Billy The Kid como metáfora del declive tanto del viejo salvaje oeste como del propio western.

Kris Kristofferson brilla como The Kid y presenta apariciones de incondicionales occidentales como Slim Pickens y Sam Elliot. La música es mayoritariamente instrumental y escasa, lo que realmente se presta a la naturaleza lenta y casi melancólica de la película. Hay muchos silencios y palabras que quedan sin decir. La canción más destacada es, por supuesto, 'Knocking On Heavens Door', que apenas apareció en la película. Entre las tomas descartadas había una canción llamada 'Rock Me Mama', que no apareció en la película pero resurgió muchos años después como 'Wagon Wheel'.

10. Pink Floyd, el lado oscuro de la luna

Nunca estoy seguro de si Dark Side es un álbum o un rito de iniciación. Personalmente, llegué muy tarde. Fue en el verano de 2008 en el lago de Garda, Italia, cuando estábamos embarazadas de nuestra hija Lucy, que comencé a escuchar correctamente el disco y, en particular, las letras de canciones como 'Breathe' y 'Time'. Parecían muy apropiados en nuestras circunstancias actuales y lo encontré realmente conmovedor y profundo.

Otros temas también abundan en el disco y, aunque muchos no estarían de acuerdo con la visión del mundo de Waters, gran parte de la atemporalidad del álbum se debe a su capacidad para reinventarse constantemente y sentirse relevante para el mundo moderno.

Dos que casi lo logran

Roxy Music, Stranded: Su tercer álbum, pero para mí el que inició todo y los marcó como serios contendientes.

James Brown, Black Caesar/Slaughters Big Rip Off/The Payback: dos bandas sonoras y posiblemente su mejor álbum de estudio en lo que fue un año vintage para el Padrino del Soul.

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